Una docena con la E

Sin preámbulos, que voy con prisas. Entre pitos y flautas, nunca tengo tiempo de sentarme a escribir.

Voy directamente a los que han estado cerca de entrar en la docena pero se han quedado fuera por unas décimas:

- EVAN DANDO.- El cantante de los Lemonheads ha sacado varios discos en solitario bastante interesantes. Especialmente el titulado "Baby I'm bored".

- ELVIS COSTELLO.- Un grande muy grande. Lo que pasa es que a mí nunca me ha llegado. Es uno de los máximos exponentes de la nueva ola de finales de los setenta, principios de los ochenta, del post-punk, la new wave, etc. Y es que a mí ese tipo de música nunca me ha hecho mucho tilín. No obstante, su trayectoria es muy brillante y admito que tiene un ramillete de cancionazas de la hostia.

- ECHO AND THE BUNNYMEN.-En menor escala, pero es un estilo al anterior. Grupo típicamente ochentero, muy bueno pero en un estilo que no me toca la fibra. Pero recomendables, sin duda.

- ELLIOTT BROOD.- Su "Ambassador" fué, para mí, uno de los mejores discos del 2005, y uno de los mejores discos debut de lo que va de década. Country alternativo.

- EEF BARZELAY.- La insistencia de Felipe en que lo ponga, y el hecho de que la letra E tampoco de para mucho hace que aparezca por aquí. Está bien en plan cantautor - moderno - intelectual, pero le prefiero con Clem Snide, sinceramente. Aunque siguiendo con la sinceridad, solo he escuchado el "Bitter honey".

- EXTREME.- Hard-rock o pop-metal ochenta-noventero. Su "Pornograffitti" tenía un pase; el resto de sus discos son perfectamente prescindibles. Admito que Nuno Betancourt era un buen guitarrista, pero uno termina hasta la polla de tanto "More than words".

- EMIR KUSTURICA.- Si, el director de cine serbio. Con su No Smoking Orchestra toca la música que es habitual en sus películas. He estado en un par de conciertos suyos y son superdivertidos. Os recomiendo unas escuchas, aunque sea por las buenas películas que ha hecho.

- ELENI MANDELL.- Cantautora americana de estas que me gustan a mi. Un montón de buenos discos, pero mi favorito es el "Miracle of five", con unos toques jazzeros cojonudos.

- EAGLE-EYE CHERRY.- Uno de los cantantes de más éxito en los noventa. Pero me pasa como con Costello: It's not my cup of tea.

- ERIC MATTHEWS.- Pop del bueno. Su disco "It's heavy in here" fué uno de los discos del año allá por 1995 en lo que fué un debut asombroso. Pero luego estuvo unos diez años sin hacer nada. Hace poco ha vuelto y sigue en forma.

- ELVIS PERKINS.- Hijo del actor Anthony Perkins. Yo tengo prejuicios contra los "hijos de", pero escuchar su disco "Ash wednesday" y perder los prejuicios fué todo uno. Cantautor muy prometedor.

- ETTA JAMES.- Una de las grandes voces femeninas de la historia. Una de las más grandes cantantes de R&B y de soul de toda la vida. Desde los años cincuenta dando gloria al mundo con su voz. Y aún sigue.



Y ya vamos con los doce elegidos:



EDDIE SPAGHETTI - "The Sauce"





Este es un tipo peculiar que, aparte de gustarme sus discos, me cae de puta madre. Es el lider del grupo The Supersuckers, pero ha tenido tiempo para sacar dos discos en solitario que diría que me gustan más que los de su grupo. Este "The Sauce" es el primero de ellos, que salió en 2004.
Una de las características más curiosas de Eddie Spaghetti, y quizá una de las razones por las que prefiero sus discos en solitario antes que los de los Supersuckers es que la inmensa mayoría de las canciones que ha grabado Eddie en solitario son versiones de temas ajenos, a menudo clásicos de country o del roots-rock, con un estilo personal que me gusta mucho; mientras que la mayoría de las canciones de su grupo son propias y creo que no llegan al nivel de las que ha grabado Eddie en solitario. Bob Dylan, Willie Nelson, Kris Kristofferson, Nick Lowe, AC/DC, Tom Waits y otros pesos pesados dentro de la música americana de raíces han sido versionados por Eddie Spaghetti en sus dos obras en solitario, junto a unos pocos temas suyos.
Además, le he visto un par de veces en directo, una en Vitoria y otra en Madrid y en ambas ocasiones me pareció un personaje auténtico, cercano y divertido. Para hacerse una idea de su particular sentido del humor, sólo hay que fijarse en los títulos de crédito de su primera obra en solitario, un trabajo que reúne 12 canciones y en el que podemos leer: "todos los temas escritos por Eddie Spaghetti excepto los # 1, 2, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 11, 12". Sencillamente genial.
"The Sauce", en definitiva, me parece un gran disco que contiene acertadas lecturas de "The Best Of All Possible Worlds" de Kris Kristofferson, "Gotta Get Drunk" de Willie Nelson, "Misery & Gin" de Merle Haggard (que seguro que algunos conoceis por la banda sonora de Bronco Billy de Clint Eastwood), una acertada versión de "I Don´t Want To Lose You Yet" de su amigo Steve Earle (tema que éste incluyó en su brutal "Trascendental Blues"), "Sea Of Heartbreak" de Don Gibson o "Cocaine Blues" (decir que este disco se grabó una semana despues de la muerte de Johnny Cash, precisamente).





ELTON JOHN - Goodbye Yellow Brick Road







Aunque hoy en día Elton John es, indiscutiblemente, un personaje altamente hostiable, os aseguro que en los años setenta era un excelente artista, con una creatividad apabullante. Y yo soy de los que piensa que uno es tan bueno como lo mejor que ha sido capaz de hacer, así que me quedo con sus años de músico excepcional y paso de las mierdas que ha hecho desde los fatídicos años 80 hasta la actualidad.
En 1973 Elton John se encontraba en su mejor momento artístico, así que “Goodbye Yellow Brick Road” vino a ser la cumbre de su mejor época, no sólo porque sea (en mi opinión) su gran obra maestra, sino porque es un disco que en sus 76 minutos de duración nos muestra las diversas facetas de nuestro amigo Elton. En cuanto a creatividad es sin duda uno de sus discos más logrados y donde es capaz de hacer coincidir géneros más diversos (rhythm'n'blues, rock sinfónico, hard rock, sus imprescindibles baladas a piano...). Al parecer éste no fue un disco doble “premeditado”, sino que simplemente Elton comenzó a componer canciones hasta que se dió cuenta de que daba para un disco doble (y aún así hubo varios temas que se desecharon) lo cual nos confirma hasta qué punto estaba en estado de gracia por entonces.
El inicio del disco es escalofriante y demoledor: “Funeral For a Friend”, un tema instrumental tétrico y que es de las canciones más oscuras que he oído, inconmesurable. Unida a ésta se encuentra la más rockera y tradicional “Love Lies Bleeding”, un tema rockero muy en su línea combinando el protagonismo de las guitarras con su omnipresente piano.
A ésta le sigue “Candle In The Wind”, seguramente su tema más famoso con una letra de Bernie Taupin dedicada a Marilyn Monroe. Pese a lo quemada que está me sigue gustando mucho la forma como canta el “Goodbye Norma Jean” y su tono tan triste. Cambiando radicalmente de estilo viene “Bennie And The Jets”, un tema muy influenciado por el R&B con un ritmo muy repetitivo y pegadizo. Llega entonces mi otra gran aspirante a tema favorito: “Goodbye Yellow Brick Road”, una balada preciosa donde Elton John demuestra que si bien es obvio que era un pianista excelente (y si alguien no cree que eso sea obvio que se pinche este disco en vena y que me diga si no es casi un manual de como tocar el piano en un disco de rock), no es tan recordada su enorme capacidad como cantante. En este tema canta de una manera tan absolutamente dramática que algunos llegaron a creer que se había ayudado con técnicas de estudio. Maravillosa.
Se podría dedicar párrafos enteros a cada canción pero me temo que me estoy extendiendo y no llevo ni la mitad del disco, sin embargo creo que todas merecen alguna mención: la preciosa balada “This Song Has No Title” apoyada sólo en pianos y teclados, la curiosa “Grey Seal”, el experimento de reggae de “Jamaica Jerk Off” que es la que menos me gusta del disco pero que queda simpática, la atmosférica balada “I’ve Seen That Movie Too”, que tiene una ambientación que le da un tono muy especial (y que en estos momentos es la que más me tiene enganchado del disco), la nostálgica e irónica “Sweet Painted Lady”, y “The Ballad Of Danny Bailey” con unos maravillosos arreglos orquestales.
Tras este tema llega la parte rockera del disco que se inicia con “Dirty Little Girl”, con su ritmo lento marcado por el piano y la guitarra, a ésta le sigue una de las grandes joyas escondidas del disco, la inconmesurable “All The Girls Love Alice”, canción rockera y muy bailable en la que Elton se queda con nosotros al detener el tema de repente para cantar el precioso estribillo casi a cappella y luego retomarla de nuevo, genial; en “Your Sister Can't Twist (But She Can Rock & Roll)” Elton y su banda ya le dan directamente al acelerador creando un tema muy pegadizo con unos juegos vocales memorables e imposibles de olvidar y finalmente con la guitarrera “Saturday Night's Alright for Fighting” Elton se desboca y descubrimos qué olvidada está la gran banda que había detrás de el cantante-pianista miope.
Y como colofón final, para mí el momento más emotivo del disco: la tristísima “Roy Rogers” por cuya letra siento debilidad (Roy Rogers era el protagonista de una serie de televisión de vaqueros que acabó siendo olvidada), seguida por el paréntesis cachondo de la irresistible “Social Disease” (excelente combinación bajo-piano) para acabar el disco con otra de sus grandes baladas: “Harmony”, que es un punto final perfecto.
“Goodbye Yellow Brick Road”, uno de los más grandes discos de la historia para el que escribe, es una de esas obras maestras a las que pese a lo largas que son, pese a que tengan algún momento que no te agrade tanto como el resto, no le quitarías nada. Porque lo que representa globalmente está por encima de eso: un grandísimo artista dando rienda suelta a todo su potencial. Tal vez si lo escuchas cambiarás de idea respecto a Elton John.





EPIC SOUNDTRACKS - "Everything is temporary"








Epic Soundtracks, nombre artístico de Kevin Godfrey, fué un músico brillante, pero de estos a los que les falta un empujón para triunfar definitivamente pese a que se pasó toda la vida tocando y componiendo a un gran nivel, pero al final se quedó en músico de culto, conocido por unos pocos nada más. Comenzó tocando junto a su hermano (que luego se dió a conocer como Nikki Sudden) en el grupo post-punk británico The Swell Maps. Luego, a mediados de los ochenta, deshicieron el grupo y fundaron The Jacobites, cambiando un tanto su estilo musical. Personalmente, es su época juntos que más me gusta, recomiendo mucho sobre todo el primer disco de los Jacobites.
En los años noventa ya los hermanos fueron por separado. Epic Soundtracks fué (murió en 1997, con 38 años) una especie de cantautor pop francamente muy interesante, pero como ya he dicho nunca tuvo un reconocimiento mayoritario. Hay un montón de bandas y músicos que apenas conocieron la fama pese a ser extremadamente buenos, como es este caso, y, al final, ninguno de los dos hermanos llegaron a saborear el reconocimiento más allá de los circuitos independientes, tanto en los grupos como cada uno en solitario. Hoy los dos están muertos pero su música no.
"Everything is temporary" es el disco que sacó su casa de discos en 1999, dos años después de su muerte, con lo mejor de sus tres discos en solitario. Lo recomiendo con toda vehemencia, escuchad el disco de este cantautor de pop underground, mezcla de crooner y de poeta maldito. No os defraudará.




EVA CASSIDY - "Songbird"







A veces la muerte es un nacimiento. Eva Cassidy murió prematuramente, a los 33 años. Y, curiosamente, al morir nació su estrella musical. Nunca fué reconocida en vida, y ahora escuchamos sus discos y nos parece increíble que esta tía no triunfara clamorosamente en vida. Eva Cassidy estuvo cantando por clubs y bares principalmente en Washington y realizó grabaciones que no terminó de publicar. Tuvo varias ofertas porque todos los que la escuchaban se quedaban petrificados ante semejante voz, a menudo la comparaban con Ella Fitzerald, pero las ofertas que recibía para grabar discos eran a condición de cambiar su estilo soul - jazz, y darle un giro pop a su música, a lo que ella siempre se negó y continuó tocando con su banda en locales de la zona durante los años siguientes.
En enero de 1996 salió a la venta "Live at Blues Alley", un álbum en directo con las mejores canciones que Cassidy solía interpretar en sus actuaciones. Al respecto, The Washington Post publicó que ella "podía cantar cualquier canción y conseguir que fuera la única música que importara". Pese a ello, Cassidy no estaba satisfecha con su voz la noche de la grabación. A continuación, Eva y el resto de la banda grabaron nuevas versiones para editar un disco de estudio. En junio del mismo año, durante la promoción de "Live at Blues Alley", Eva comenzó a sentir dolor en la cadera. Días después le diagnosticaron cáncer de piel en fase avanzada. Pese al tratamiento de quimioterapia, falleció el 2 de noviembre. Su última actuación tuvo lugar en septiembre frente a un grupo de amigos para quienes interpretó "What a wonderful world".
Al año siguiente empezaron a salir discos de estudios con las canciones que ella grabó y nunca llegó a publicar en vida. En 1998 se lanzó el álbum "Songbird", que permaneció en un segundo plano hasta que en 2000, la BBC británica, comenzó a difundirlo en su programa sin conocer prácticamente la figura de Cassidy, recibiendo pronto numerosas peticiones de los oyentes para escuchar la voz de Eva. El álbum escaló hasta el número 1 en las listas británicas vendiendo más de un millón de copias, y alcanzó estatus de disco de oro en los Estados Unidos, cosechando gran éxito en muchos otros países. Sting afirmó en una entrevista que no pudo contener las lágrimas al escuchar por primera vez la versión que Eva grabó de su tema "Fields of gold", incluido en el álbum. Cassidy nunca grabó composiciones propias, por lo que todo el material publicado consiste de versiones de otros autores. Pero es que cualquier canción, cualquiera, mejora al ser cantada por esta diosa, os lo aseguro.




EAST RIVER PIPE - "Poor Fricky"







East River Pipe es un grupo actual de esos que me gustan a mi pero que no garantizo que os gusten a vosotros. Ya han editado un buen puñado de discos, pero a mí el que me enamoró fué este "Poor fricky", que me parece de momento su mejor obra con mucha diferencia.
Es un disco tocado por una belleza que no es de este mundo. East River Pipe (pseudónimo de F. M. Cornog) lo grabó en tan sólo un ocho pistas. Y digo tan sólo porque la sensación que da es que ha sido esculpido para la eternidad en uno de los los mayores estudios de grabación del mundo.
Romántico, relajado, conmovedor y melancólico, "Poor Fricky" es como un disco de indie-rock al que alguien se le olvidó enchufar la electricidad. Quizás fuese que en su casa no se podía tocar muy alto, por no molestar a los vecinos. Porque (y que nadie se olvide cuando escuche este disco) "Poor Fricky" se grabó en el pequeño apartamento de F.M. Cornog en New York.
Éste es uno de esos discos que estaría también en una hipotética lista de “Lo mejor de los 90″ para mi gusto. Una auténtica obra maestra del pop sentimental.
Su virtud, la cualidad principal de "Poor Fricky", es esa capacidad épico-doméstica que te convierte en el primer hombre capaz de escalar el Himalaya con el corazón roto. Esa seda musical que no te pone triste porque te acaricia mientras te susurra al oído, "Poor Fricky" te rompe en pequeños cachitos de papel, te pone sobre la palma de su mano y canciones como "Superstar In France", "Bring On The Loser" o cualquiera de las 13 que lo componen son las encargadas de soplar.
Pero, insisto, no me hago responsable. No es apto para todos los públicos.





E.L.O. - "Discovery"









Este disco es parte de mi adolescencia, lo que le confiere un valor añadido de mucho peso. Un disco tan representativo nunca puede ser valorado de la misma manera que otro que no te haya acompañado en unos años tan importantes como aquellos. Escucharlo me retrotrae a otras épocas, me lleva al Instituto, a Er Tigre, al local del Tio Angel, a Los Barriles, a las primeras borracheras, los primeros besos...
Hablando de lo estrictamente musical, la E.L.O. fué una banda bastante personal, con un sonido único, mezcla de rock-pop sinfónico al estilo Supertramp, con toques de violines, baterías joviales y coros cristalinos para aderezar canciones monumentales. Cierto es que su creatividad sufrió un gran bajón y que en los años 80 dejaron de interesarme totalmente, pero un par de discos suyos de finales de los 70 son obras de aquellas que se recuerdan para siempre a los que vivimos en la época en que salieron.
"Discovery" es un disco corto pero muy intenso, con auténticas joyas como "The Diary of Horace Wimp" o las baladas "Need her love" o "Midnight Blue", realmente preciosas, así como el juego de sintetizadores en canciones como "On the Run" o "Don't Bring me Down".
Prestad mucha atención a la base de violines en "Last train to London", tal vez uno de los temas más conocidos (aparecía en un anuncio de TV hace unos cuantos años).
Lamentablemente, la E.L.O. hoy son más recordados por el tema principal de "Xanadú", la película de Olivia Newton John, que por esta grandilocuente obra de pop sinfónico. La Electric Light Orchestra se propuso recorrer el sendero que los Beatles abrieron con 'I Am The Walrus', pero terminó acelerando en las autopistas de peaje del pop de los 80. Una pena. Pero da lo mismo, ellos ya habían puesto banda sonora a mi tiempo más especial.





ELLA FITZGERALD - "The best of the song books"







Hablamos de, probablemente, la diosa absoluta del vocal-jazz. Una artista de todos los tiempos, de una grandeza inabarcable, la indiscutible primera dama de la canción, y esto está asumido por todos los críticos, de todas las épocas. La más grande.
Desde sus primeras grabaciones en los años 30 (ahí queda eso) hasta las últimas poco antes de morir en los años 90, todo, absolutamente todo lo que Ella Fitzgerald grabó es auténtica crema. Es de aquellas pocas artistas que uno puede ir a cualquier tienda de discos y comprar cualquier grabación suya al azar, con la certeza de que será una buena compra. Nada cantado por Ella es malo. Garantizado.
Ante esto, la situación de tener que elegir un disco suyo era algo tan complicado como tener que escoger el mejor grano de arroz de un plato de paella. La Fitzgerald ha grabado discos espectaculares tanto en solitario como acompañada de otros monstruos, le ha cantado a Cole Porter, a Duke Ellington, a los Gershwin... imposible quedarse con un disco de estudio. La mejor opción, elegir un recopilatorio. Pero incluso esto es supercomplicado. Recopilatorios de Ella Fitzgerald los hay a cientos. De hecho, creo que no me equivoco si digo que existen más recopilatorios suyos que discos originales de estudio. Pero bueno, hay que elegir uno y tampoco me voy a complicar tanto la vida. Creo que este "The best of the song books" es una perfecta muestra de la infinita calidad vocal de Ella Fitzgerald, que a fin y al cabo es de lo que se trata, de mostrar algo representativo de cada artista.
A quien le guste esto, tiene un filón. Más de cincuenta años de música en grabaciones increíbles, posiblemente no tendreis vida suficiente como para escuchar todos sus discos.




ERIN McKEOWN - "Sing you sinners"








Y de la maestra, a la alumna. Sin que tengan mucho que ver en cuanto a estilos, y mucho menos en cuanto a calidad vocal (Eva Cassidy puede compararse con Ella Fitzgerald, pero Erin McKeown, vocalmente, no puede descalzar a ninguna de las dos), hay algo en las canciones de Erin McKeown que me recuerda a las cantantes de jazz de los años cuarenta. Y, repito, no es el estilo de Erin, que hace discos de estilo folk, quizá con ciertos toques jazzísticos pero básicamente se trata de folk, aunque sea un poco alternativo.
Yo descubrí a Erin McKeown hace apenas un año y medio o así. Entré a comprar un disco de Jolie Holland a Escridiscos, y la tía de la tienda (una señora de unos cincuenta años que entiende de música una barbaridad y que siempre que me ha recomendado algo ha dado en la diana) me dijo que ese disco de Jolie Holland no era tan bueno como los anteriores, y que en ese mismo estilo me recomendaba el "Sing you sinners" de Erin McKeown, a quien yo no conocía. La hice caso a medias, y me compré los dos. Como de costumbre, ella tenía razón. El disco de Jolie Holland fué decepcionante, pero a cambio descubrí esta joyita.
Una cantautora muy personal, y un disco muy especial. Del que destacaría por encima del resto de canciones que lo componen: "Get happy", "Paper moon", "Rhode Islands is famous for you" y "If you a viper". Dadle una oportunidad.




EAGLES - "Hotel California"







Uno de los discos del siglo, indiscutiblemente. Un disco tan perfecto y decisivo que el grupo jamás tuvo la más mínima oportunidad de mejorarlo. Siendo muy grandes los Eagles, su obra maestra les superó. Es un disco más grande que ellos.
Si me gusta el sonido californiano es gracias a los Eagles. Todo el country-rock que vino después me evoca a ellos.
"Hotel California" es uno de los últimos discos de los que prescindiría. Además, está entre los más vendidos de la historia. Algo tendrá.
Cuando los Eagles sacan a la luz este álbum acababan de estrenar guitarrista al reclutar a Joe Walsh. Con él tendrían el complemento ideal para dar vida a ese mítico álbum. Pero se esperaba poco de un grupo de rock con un sonido medio sureño, medio country, en medio del pleno auge de la música disco. Se esperaba poco de este grupo cuando la poca escena rockera estaba dominada por el Punk. Pero el quinteto californiano se jugo su única carta y con él iba a dar el campanazo de su vida. El álbum vio la luz en el 1976.
El tema que da título al disco es excepcional, sin embargo eso no es suficiente para catalogar todo un disco. Otro tema maravilloso es "New Kid In Town", un soft rock sencillamente espléndido. O que tal el contraste con "Life in The Fast Line"? Tal vez el tema mas rockero del álbum.
¿Alguien se ha preguntado que hubiera sido el álbum sin el tema principal? Claro que le respuesta es obvia, podría faltar cualquier otro de los temas sin que pasara nada. "Hotel California" es uno de esos álbumes que, pese a estar compuestos de canciones fantásticas, dependieron decisivamente de una solo canción, y ellos ni siquiera imaginaron que pasarían a formar parte de la historia del rock’n’roll con ella. Acaso "Victim Of Love", "Try And Love Again" o "The Last Resort", pese a lo buenas que son, hubieran sacado a flote la producciòn por si solas?
Dejando fuera "Hotel California", el disco supone un cambio radical respecto a sus trabajos anteriores cuyo sonido se inclinaba un poco mas al country.
La canción "Hotel California" fue considerada, junto con "Stairway To Heaven" de Zeppelin y "Bohemian Rapsodhy" de Queen, como las mejores canciones de rock de todos los tiempos. Y no es descabellado comparar el álbum de "Hotel California" de los Eagles con el "IV" de Zeppelín y el "A Nigth At The Opera" de Queen.
Es un pedazo de disco para disfrutar de las guitarras de Don Felder, Glen Frey y Joe Walsh, que suenan fabulosas, el trabajo de de Randy Meisner al bajo fue cumplidor aunque algo discreto, no así la batería de Don Henley que en mi opinión si dejó algo que desear, sin embargo fue compensado por esa interpretación vocal que sin lugar a dudas fue esencial.
La portada es estupenda y el diseño de la foto central fue bastante bien planeada mostrando a los huéspedes de tan singular lugar. El álbum es de esos que yo llamo “familiares”, es decir que no le molesta a nadie y todos les gusta. Igual lo puedes poner con tu abuela que con tus amigos rockeros. Un disco, en definitiva, necesario, al que hay que agradecer su existencia. Porque mejora la nuestra.





ED HARCOURT - "From Every Sphere"








Una apuesta personal. Desde que le descubrí a principios de esta década, no he dejado de seguirle, me he comprado todo lo que ha sacado y nunca me ha defraudado. Y las dos veces que le he visto en directo han sido conciertos dignos de ser recordados. Y eso que una de las veces iba de telonero, pero se comió al grupo principal.
Este muchachito inglés de sólo 30 años ya lleva cinco discazos a sus espaldas, un recopilatorio (editado este mismo año) y alguna que otra colaboración de postín como la que hizo con Ron Sexsmith en el ya legendario “Time Being”. El sonido de Harcourt está cercano al de Jeff Buckley, este es un referente claro. Debutó en el 2001 con “Here Be Monsters” con el que ya apuntaba alto y dejaba constancia del talento que tiene, una maravilla de disco que recomiendo desde ya, y en el que destacan por si solas “Shangai”, “Apple Of My Eyes” y “Beneath the Heart of Darkness”. Pero lo mejor llegaría en el 2003 con el discazo de compra obligada “From Every Sphere”, empieza a dejar a un lado a Buckley y comienza con las inflexiones vocales dignas de Nick Cave, David Bowie o el Bono de los mejores tiempos, y como no esos juegos de música y letra a lo Waits, sin duda su mejor disco hasta la fecha. Puesto a destacar canciones: “All Of Your Days Will Be Blessed”, “Undertaker Strut”, “Jetsetter”, “Watching The Sun Come Out”, pero vamos, todo el disco es espectacular, una delicia. Por cierto, acabo de darme cuenta, creo que no puse ninguna canción de Ed Harcourt en el recopilatorio de Fernando. Habrá que arreglar eso.





ELVIS PRESLEY - "The Top Ten Hits"








Aquí tengo motivos para ser breve. No voy a venir yo de listo ahora a hablar de Elvis Presley. Quien no conozca su historia y haya escuchado al menos 25 o 30 de sus mejores canciones no merece estar vivo. Así que me voy a limitar a explicar porqué he seleccionado este disco.
En primer lugar, los primeros discos de Elvis fueron lanzados en los años cincuenta, y en aquellos años la industria musical no funcionaba aún con discos de larga duración, por lo que casi todo lo que se editaba eran singles o EPs. Pero el Long Play aún no se estilaba. Por eso no hay grandes discos largos de Elvis hasta los años sesenta. Lo que sí tenemos son miles de recopilatorios, y éste que he elegido tiene todos los éxitos. Es el disco que todos los no iniciados en Elvis deben tener, porque hasta ellos conocerán todos los temas nada más escucharlos. Este recopilatorio se editó en 1987, y en él figuran 38 canciones, a cual mejor: Heartbreak hotel, Hound dog, Don't be cruel, Love me tender, All shook up, Jailhouse rock, It's now or never, Are you lonesome tonight?, In the ghetto, Suspicious minds, y así hasta 38 éxitos rotundos. Hay que tenerlo.





ERIC CLAPTON - "Slowhand"







Cerramos este repaso a la letra E con la magia en las seis cuerdas de Mano Lenta Clapton. Qué decir del bueno de Eric... a los que fuimos fans suyos a finales de los 70, no nos ha gustado su acomodamiento y su falta de actitud, ni sus trajes y sus discos mainstream, pero joder, sigue siendo un grande. No es el mejor guitarrista de la historia del rock ni de la historia del blues. No posee las cualidades técnicas de un virtuoso y tampoco hace ostentación de su velocidad a la hora de atacar las cuerdas de su instrumento (casi siempre una Fender Stratocaster), sin embargo Eric Clapton posee ese don del cual muy pocos pueden presumir: el de la expresividad musical. La guitarra de Clapton habla, dice cosas, transmite sensaciones y sentimientos. Cuando alguien lo bautizó irónicamente como “Slowhand”, no hizo sino definir el estilo que a lo largo de los años iría depurando este músico británico, hasta convertirlo en un artista pleno. Porque uno lo ve y lo escucha tocar y parece que lo que él hace es la cosa más sencilla del mundo. Los dedos de su mano izquierda se deslizan por el brazo de la guitarra con una facilidad pasmosa, mientras los de la mano derecha sostienen la púa que da los toques melódicos, armónicos y rítmicos necesarios para convertir a una canción o al solo de la misma en un lenguaje que pareciera provenir del cielo. No en vano, al principio de su carrera, cuando aún tocaba con los Yardbirds, en los muros de Londres aparecían graffitis con la letenda “Clapton es Dios”.
Yardbirds, Bluesbreakers, Cream, Blind Faith, Derek and the Dominos: nombres de bandas que han visto a Clapton como su epicentro, como su núcleo, como su ombligo. La carrera de este guitarrista único e incomparable es como una epopeya griega, pero tambíen como un drama shakespeareano. Podrá haber mejores ejecutantes que él, pero muy pocos pueden jactarse de la mayor virtud de Eric Clapton: es un blanco -y para colmo inglés- que tiene el blues en la sangre.
En 1977, Clapton editó este disco. Lo estoy escuchando en este momento y parece que sigo en aquel año. El LP toma por título el apodo que le pusieron a Clapton en sus inicios con los Yardbirds: “Slowhand”(mano lenta).
Este disco fué un auténtivo éxito comercial, y es de esos discos imperecederos que quedarán para la historia; y es claramente mejor que todos los discos que Clapton ha editado desde entonces.
La cara B esconde cuatro pequeñas joyas entre las que destacan "The Core" y "Mean Old Frisco". La cara A...la cara A es quizás la mejor cara A de la historia. Empieza con “Cocaine”, ese himno compuesto por J.J. Cale que todos hemos cantando en el coche, en garitos y ("she don’t lie, she don’t lie, she don’t lie...cocaine!!") donde se terciara yendo de copas. Sigue con el “Wonderful Tonight”, ¿hace falta decir algo sobre esta canción? ¿os acordáis de cuando en las discotecas ponían “las lentas”? - me está cogiendo complejo de Abuelo Cebolleta, pero los de mi quinta me entenderán. Continúa la cara A con un temazo que se oye poco pero que a mí siempre me ha parecido una de las grandísimas canciones suyas: "Next Time You See Her", y cierra con el tema más flojo del álbum “We’re all the way”.
Una obra maestra del mejor guitarrista de blues-rock que ha pasado por el planeta y que, a pesar de los pesares (yo a Clapton le perdono hasta sus canciones de hilo musical), sigue tocando a fecha de hoy como casi nadie.






Y para terminar, recordando lo que hablamos el viernes por la noche, Mihail Gorbachov hablando desde el personal punto de vista de los chalados de la Hora Chanante: