Una docena con la D

El día de la cena me dijisteis que con la letra D iba a tener difícil encontrar doce discos para poner aquí que estuvieran a la altura de los seleccionados hasta ahora. Pues aún tendré que esperar a otra letra (quizá la E) para que no tenga problemas y pueda escoger tranquilamente 12 intérpretes sin que me duela dejar a nadie fuera.

Hombre, obviamente elegir con la D es mucho menos difícil que hacerlo con la B o la C, pero os aseguro que me ha vuelto a costar trabajo. Primero, como de costumbre, haré una breve reseña de algunos que he dejado fuera con dolor, y luego ya pasaré a comentar la docena de elegidos. Como tuve algunas críticas durante la cena en el sentido de que mis comentarios sobre los discos eran demasiado extensos, trataré de sintetizar todo lo que pueda y no dejarme llevar por la pasión de escribir más y más sobre discos que me gustan tanto.

Los que no han entrado pero no desmerecerían en la lista de doce:

- DAVE EDMUNDS.- Un grande injustamente olvidado. Rockero de pro, fué miembro de uno de los grupos más interesantes (e incomprensiblemente poco conocido en España): los Rockpile, junto a otro grande: Nick Lowe. De su época en solitario os recomiendo uno de mis discos de cabecera: "Chronicles", un recopilatorio excelso que repasa lo mejor de su carrera.

- DEVENDRA BANHART.- Uno de los cantautores más de moda en estos momentos. Criado en Venezuela, es uno de los máximos representantes del Lo-fi, esta tendencia de unos años a esta parte de folk alternativo que tan buen resultado está dando. Admitiendo que todo lo que he escuchado hasta ahora de él tiene calidad, también tengo que deciros que me está cansando un poquito.

- DR. JOHN.- Si Dave Edmunds es un grande, el Dr. John lo es aún más. Desde los años 60 dando caña con su piano a ritmo de blues y rock'n'roll. Si teneis alma, dadle de comer música de este titán de la música, y ella seguro que os lo agradecerá.

- DIAMOND DOGS.- No los conocía hasta hace unos cinco años en que, con motivo de un concierto suyo en Madrid, me animaron a ir a verlos. Es un grupo sueco en la onda de los Stones o los Black Crowes, con un directo supercañero y divertido que te hace rejuvenecer. Muy recomendables.

- DEXATEENS.- Otro grupo explosivo. A caballo entre el rock sureño y el garaje-punk, los Dexateens es uno de los grupos actuales que mejor combinan la calidad con la fuerza. No apto para señores mayores.

- DUKE ELLINGTON.- Me pongo de rodillas y pido perdón por no incluir al Duque entre mis doce. Pero es que, lamentablemente, mis conocimientos del jazz clásico son muy limitados y no estoy demasiado puesto en esta figura mítica de la música. Aún así, me permito recomendaros un disco que os puede cambiar la vida: "The intimate Ellington".

- DANIEL JOHNSTON.- Este tipo está como una cabra. No le discuto su genialidad, pero yo aún no estoy preparado para esto. Me gusta, pero igual que una canción me parece muy buena, la siguiente la encuentro insoportable. Un auténtico punkie de los cantautores. Echadle una escucha, pero con cuidado.

- DECEMBERISTS.- Chamber pop del bueno. Si os gusta este tipo de música os recomiendo encarecidamente su primer disco "Castaways and cutouts", maravilloso para oir relajado.

- DUSTY SPRINGFIELD.- Otra grande-grande de la música. Desde principios de los años sesenta lanzando una canción de éxito tras otra. ¿Quien no ha escuchado "I only want to be with you", "The look of love" o "Wishin' and hopin'"? Enorme Dusty, una de las cantantes que mejor interpretaron a Bacharach.

- DANIEL WYLIE.- El líder y alma de los magníficos Cosmic Rough Riders. Tiene ya tres o cuatro discos en solitario, todos ellos con su característico pop melódico, canciones con bonitos coros que entran a la primera.


Y una vez homenajeados los semifinalistas, vamos a ver los doce elegidos:



DENNIS WILSON - Ocean Pacific Blue






El debut en solitario del mediano de los hermanos Wilson (The Beach Boys) resultó también el último álbum que pudo completar antes de su prematura muerte en 1983 (curiosamente, ahogado), mientras preparaba el que iba ser su segundo LP. P"acific Ocean Blue" viene a confirmar el extraordinario nivel de Wilson como compositor. Se trata del primer álbum para el que compone todas las canciones (aunque algunos de sus temas con los Beach Boys ya habían tenido bastante éxito), lo cual le permite exprimir al máximo su capacidad, poner a prueba todo lo aprendido en el estudio en los años anteriores y experimentar libremente con influencias del gospel y el R&B. El resultado no es sólo un disco extraordinario y todo un clásico del pop de la época sino una auténtica caja de sorpresas para quienes no hayan tenido la oportunidad de escucharlo (ha estado descatalogado durante más de quince años, aunque hace poco ha vuelto a reeditarse). Porque por encima del torrente de efectos sonoros propios de la marca Wilson, destacan un puñado de canciones impecables, desde la portentosa "River Song", que abre el disco, hasta la compleja balada "End of the Show", pasando por el hit "Dreamer" y la sentida "Farewell My Friend".
Hasta ahora, Pacific Ocean Blue siempre ha aparecido en las listas de joyas desconocidas o discos perdidos. Parecía quedar relegado al cajón de los discos de culto. Pero estamos hablando de una de las colecciones de canciones más emocionantes de los 70. Poco queda en ellas de la jovialidad de los primeros discos de los Beach Boys y, por contra, hay mucho de dolorido y de intenso.




DAVID BOWIE - Ziggy Stardust








Elegir un álbum de David Bowie es jodido. Al menos cinco o seis de sus Lps son verdaderas joyas. Pero me voy a quedar con éste por lo que representó en su momento y porque creo que refleja mejor que ningún otro las características creativas del camaleónico Bowie. Este fué el disco con el que David Bowie consiguió llegar a las grandes audiencias europeas y americanas, y está considerado uno de los discos más importantes de lo que se llamó el glam rock. También ha sido incluido en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
Musicalmente, el disco marcó una diferencia con el rock que predominaba a finales de los 60 y principios de los 70 basado en canciones con desarrollos largos y solos de guitarra, recibiendo en cambio influencias de otros grupos que Bowie admiraba como T. Rex, The Stooges y The Velvet Underground.
El título completo del disco es "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars", y es un álbum conceptual sobre ciencia-ficción, tomándose el mismo Bowie como protagonista, mediante su alter ego Ziggy Stardust. Mis dos canciones favoritas del disco son: "Starman", posiblemente mi canción favorita de Bowie, y tal vez uno de los mejores temas escritos en los años 70. Empezando con una guitarra acústica y unos coros, de repente cambia de ritmo y la canción se vuelve mágica. Pero sobre todo en el estribillo es donde "Starman" se llena de fuerza con los coros, el piano y el resto de la instrumentación. La polla. Mi otra canción favorita es "Suffragette City", que es un rock and roll con guitarras y sección de viento. Uno de los temas más rockeros del disco. De un disco de visita obligada.




DRIVE BY TRUCKERS - Decoration day






Con los Drive By Truckers cumplo con mi ración de rock sureño, que siempre procuro que en cada letra esté representado este estilo que tanto me gusta. Pero además, es que los Drive By Truckers es posible que estén entre mis tres o cuatro grupos favoritos de la actualidad, uno de esos grupos a los que iría a ver en concierto aunque ese dia televisaran el Barça-Madrid. Esta banda, que tiene ya más de diez años de vida, es una máquina de sacar discos buenos. Tanto es así, que me ha matado tener que elegir un solo disco, porque aparte de éste tiene otros fantásticos álbumes como el "Southern rock opera", una maravilla que fué además el primer disco de ellos que yo escuché. Pero de todas formas me voy a quedar con este "Decoration day", igual que mañana tal vez escogería otro.
Este disco es una especie de ambiciosa mezcla del sonido de las tres guitarras roqueras que la banda exhibió tan magistralmente en “Southern Rock Opera” y los elementos casi country de sus primeros trabajos. El resultado es francamente brillante. Rock and roll pero utilizando también mandolinas y pedal steel, lo que les da un toque personal y les permite generar obras como este disco donde no hay una canción mala. Y puestos a destacar una: "Merry me", una cancionzaca del copón.




DON McLEAN - American Pie







Don McLean, cantautor americano de los años setenta, de estos que abrieron camino a los cientos de miles que hoy pululan tratando de acercárseles. Conocí a Don McLean hace muchísimos años gracias a la tremenda balada "Crying", una de las mejores canciones de Roy Orbison. A partir de ahí llegué a este disco, un disco estigmatizado por la canción que abre el mismo y que da título al álbum, la inmortal "American Pie". Un tema mítico, una canción de todos los tiempos y que ha sido tan famosa y tan grande que se ha comido al resto del disco y a toda la carrera entera de Don McLean, a quien ya casi solamente se recuerda por esa canción. Una canción que habla del día que la música murió, refiriendose al accidente de avión que costó la vida a Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper Richardson.
Pasa el tiempo y yo sigo escuchando este disco. Creo que soy de las pocas personas que soporta cada segundo de los 8:36 minutos que dura completo el tema "American Pie". Se me ponen los pelos de punta con "Crossroads" o el homenaje a Van Gogh que es "Vincent", no dejo de bailar con "Everybody Loves Me, Baby" y me sigo emocionando con "The Grave" o el canon de "Babylon". Es de estos discos perennes, que siempre están ahí. Y soy muy consciente de lo que ha influido en mis gustos a lo largo de los años. Lo mejor: que nunca pasará de moda.




DEEP PURPLE - Made in Japan








Mi intención es elegir siempre un álbum de estudio, un disco oficial en cada uno de los intérpretes que elija para estos posts. Pero a veces tiene que haber excepciones. Y en esta letra he escogido un disco en directo para los Deep Purple, así como luego vereis que también he elegido un disco recopilatorio. Excepciones que confirman la regla.
Y no es que los Purple no tengan discos de estudio dignos de ser elegidos para estar aquí, todo lo contrario. Tienen auténticos discazos como "Deep Purple in rock" o "Machine Head", pero es que convendreis conmigo en que si hay un disco que haya subido al Olimpo de los discos de Deep Purple es este inconmensurable "Made in Japan", la cumbre de los discos en directo. Para mi, este es (junto con el "Live Killers" de Queen y el "Live at Leeds" de los Who) el mejor directo de la historia del rock. La explosión definitiva de una banda de rock sobre las tablas. Este disco me hizo y hace disfrutar cada vez que lo “pincho”, y por eso tenía que ponerlo aquí.
Es un disco doble, por tanto con cuatro caras, pero solo siete canciones. Es lo que se llevaba en la época (1972), canciones largas y grandes desarrollos.
Yo no sé qué pensaban estos tíos cuando saltaron al escenario aquellos 15, 16 (Osaka) y 17 de agosto (Tokyo). Probablemente lo que ocurrió es que venían de una gira (la gira promocional del "Machine Head") e iban lanzados, desbocados… Y eso se nota desde el primer tema: "Highway Star", el mismo que también abre el disco de estudio. Unas notas introductoras al órgano de Lord, unos toques a la batería de Paice y cuando entra el bajo de Glover y los primeros acordes de Blackmore la cosa no tiene remedio: a soltar los caballos. Aunque el verdadero “Highway star” del tema es el gran Ian Gillan, a pesar del inolvidable solo de Blackmore del final. Y para completar la cara A del doble vinilo, nada más y nada menos que "Child in Time", catarsis en estado puro. La canción es realmente escalofriante. En mi época de Instituto era mi canción favorita del mundo.
La cara B se la reparten la famosa "Smoke on the Water", con fallos incluidos, y "The Mule", con el obligado, eterno y totalmente prescindible solo de batería de todos los conciertos de los 70 que se precien: Ian Paice y sus 6 minutos de onanismo con baquetas.
La 3ª parte es la que más gana, al menos para mi, con las escuchas repetidas: "Strange Kind of Woman" y, sobre todo, "Lazy", me parecen memorables. La primera con un Gillan al 200%, la segunda con un Lord increíble... sobre todo en sus sólos.
Y la última cara para un tema, "Space Trucking", una salvajada de casi 20 minutos, difícil aguantarla con todas las neuronas en su sitio, y vivas. Un exagerado epílogo para un enorme disco, para un gran concierto.
Los Purple nunca sonarían igual tras éste disco. Y que conste que hicieron grandes álbums, sobre todo "Burn" y "Come Taste the Band", pero ya no estaban Gillan y Glover (ojo, magníficos David Coverdale y Glenn Hughes) y no era lo mismo. "Made in Japan" es un trozo de mi adolescencia, y eso es un valor añadido.




DAMIEN RICE - 0







Sensibilidad elevada a la enésima potencia. Solo para almas elevadas. Damien Rice no es para cualquiera, ya lo aviso. Guitarras acústicas, melodías sublimes, instrumentos de cuerda, sensibilidad, melancolía, una voz quebradiza y llorosa... Así podríamos estar días enteros, enumerando todas las cualidades de este álbum de Damien Rice que fué todo un pequeño éxito en las islas británicas cuando se publicó en 2003. Es de estos discos que como te coja en un buen momento mental, con el ambiente adecuado para que lo puedas degustar en toda su magnitud, te entra hasta las venas y ya no sale en la vida.
Y direis: Pero ¿qué es lo que tiene este Damien Rice para que levantes tantas expectativas? y yo respondo: canciones extraordinarias. Porque este "0" es un álbum que, sin contar con muchos medios para conseguir un brillante sonido, se defiende en el territorio más difícil, en el de la composición de canciones atemporales y eternas. Canciones como “Delicate”, “Volcano”, “Amie” o la increíble e inolvidable “Cold water”, que convierten a este autor en uno de los más aventajados discípulos de esa escuela de cantautores folk con ribetes pop que tantos talentos nos ha dado en los últimos cuarenta años.
La estructura de las canciones está construida siempre sobre una guitarra acústica, lo que dota al disco de una cercanía que no se puede conseguir con las máquinas y las superproducciones de estudio digital. Nos encontramos algo tan primitivo como un hombre con su guitarra, con el añadido, en ocasiones, de algunos instrumentos de cuerda, especialmente el violín, y de una cálida voz femenina (Lisa Hanningan), que acompaña a la voz rota, sensible y siempre al borde de llanto de Damien Rice.
Porque es el llanto, la melancolía, lo que se filtra por todas y cada una de las canciones de este álbum. Una melancolía que nos traspasa tras la primera escucha minuciosa. El disco tiene siempre sobrevolando un desconsuelo expresado con tal sensibilidad que lo hace único. Puesto que, aunque utilice elementos ya usados con anterioridad por miles de grupos, lo hace con tanta personalidad y tanta franqueza que parece que son nuevos, recién descubiertos en la fría y lejana Irlanda.
Su segundo disco (es lo malo de este tio, que curra poco: solo dos discos en cinco años) es bueno, pero es que mantener el nivel de este debut es algo prácticamente insostenible. Este "0" se merece un 10.



DR. FEELGOOD - Stupidity





Y pasamos del terciopelo al esparto, del champagne al tinto, de acariciar a la chica al correrse en su cara. Cambio total de registro. La música de Dr. Feelgood era una patada en los huevos que te hacía saltar de la silla. Este fué un grupo de R&B británico surgidos a principios de los 70. Su estilo de música fué calificado como "British Pub Rock" ya que daban lo mejor de ellos actuando en locales. En 1976 lanzan su mejor directo como recopilación de sus giras del 75: "Stupidity". Se compone esencialmente de versiones de los grandes del R&R, más algún tema compuesto por ellos.
Número 1 en Reino Unido, el disco capturaba perfectamente la sudorosa anarquía de sus conciertos y su música sin accesorios, que inspiraría a emergentes bandas de punk como The Boomtown Rats y The Clash. La declaración "anti-moda" del grupo –todos con el pelo corto, chaquetas sobrias y sin adornos– causó impacto, como también lo hizo la forma de tocar de Wilko, combinación de guitarra rítmica y solista.
Por lo general, el disco es bastante homogéneo, siguiendo una línea de R&B enérgico que haría bailar al más soso. Dejando a un lado las versiones de los grandes, yo destacaría las composiciones propias como "20 Yards Behind" o "She Does it Right", que se podrían catalogar como temas muy próximos al ska. Atrévete con ellos si puedes.




DIRE STRAITS - Making Movies







Se trata del tercer disco de Dire Straits. Podría haber puesto también cualquiera de los dos primeros, pero honestamente creo que el mejor de todos es éste. "Making Movies" puede que sea la obra maestra de Dire Straits, el álbum que además los consagra como uno de los mejores conjuntos de rock de su tiempo. "Making Movies" es un disco redondo, plagado de composiciones gloriosas como "Romeo And Juliet", "Expresso Love" y "Solid Rock", donde fieles al estilo que los encumbró perfeccionan de manera sobresaliente su capacidad de componer e interpretar. Podría haberme quedado con cualquiera de los tres temas antes mencionados, pero lo hago finalmente por "Tunnel Of Love". Es una canción que siempre me gustó especialmente, que se me hace corta a pesar de los 8 minutos que dura. Creo que roza la perfección.
"Making movies" supone el momento en que Dire Straits se desprende de su imagen de grupito de pub rock para iniciar la transformación en megabanda de estadios y plazas de toros. La visión de Mark Knopfler es muy clara y no acepta lastres, ni siquiera los de su misma sangre: pocos meses antes, su propio hermano, David Knopfler, abandona -o es invitado a abandonar- el quinteto y no es reemplazado. Mark es el compositor único del grupo y, en los años ochenta, ira cambiando de músicos y contratando a profesionales de acuerdo con sus necesidades instrumentales.
La creatividad de Mark Knopfler murió de éxito. A partir de este disco excelso entró en una cuesta abajo definitiva. Pero ya qué más da. Uno es tan bueno como su mejor obra. Y esta es excelente.




DECLAN O'ROURKE - Since Kyabram







Siempre me gusta incluir artistas poco conocidos pero que me gusten mucho, para no presentaros solo los obvios, sino que descubrais también cosas nuevas, cantantes poco conocidos o que yo crea que no conoceis. Pero esta vez he dado una vuelta de tuerca más. Os reto a que me encontreis a alguien que conozca a Declan O'Rourke. Este irlandés acaba de sacar su segundo disco y probablemente sea poco conocido incluso en su pais. Incluso en su barrio. Pero ya ves, a mí me cautivó con este su primer disco "Since Kyabram", y lo he subido aquí al lado de mitos de la música.
Es un cantautor con raíces folk irlandesas, pero con múltiples influencias de otros estilos. Los sensacionales arreglos de cuerda en temas como "No Place To Hide" o "We Didn't Mean To Go To Sea" hacen recordar las mejores canciones de Nick Drake. Otras maravillas como "Galileo" o "Sarah" suenan a clásicos de hace treinta años. Pero si tengo que quedarme con una canción, "Everything is different" me mata, seguida de cerca por "Birds of a feather". En definitiva, una preciosidad de disco. No para cualquiera, eso sí. No es un disco muy accesible.




THE DOORS - The Doors







Y del más desconocido, a los más conocidos de la letra. Me he decantado por el primer largo de los Doors como disco a elegir. Para muchos es considerado uno de los mejores discos debut de todos los tiempos. Y es dificil no estar de acuerdo con esta aseveración cuando escuchas el disco. Aquí se pueden encontrar clásicos de todos los tiempos como "Light my fire", "The end" o "Break on through (from the other side)", aunque solo fuera por eso, este disco ya forma parte de la historia del rock.
El álbum presenta un repertorio con influencias de blues, psicodelia y rock logrado por característicos arreglos y solos de organo de Ray Manzarek, la particular guitarra de Robby Krieger, a la bateria John Densmore y Jim Morrison en la voz, que daban al grupo un sonido único. Los Doors eran de esos grupos fácilmente reconocibles, que no se parecían más que a sí mismos. El disco abre con la eufórica "Break on Through (To The Other Side)", pasando por la celestial de "The Crystal Ship", hasta llegar a la multifamosa "Light My Fire", donde recomiendo el sólo de organo, y culmina con el fin ("The End") el punto máximo del disco, un drama de 11 minutos donde se sienten las arenas calientes del desierto entre los dedos de los pies encontrándose en medio de un ritual indio del que solo el fin del disco puede hacer terminar. Pocas palabras definen a esta canción, es mucho mejor escucharla.




DONOVAN - Greatest Hits







Pocas veces, muy pocas, me vais a ver en esta situación: recomendando un recopilatorio. Pero en este caso haré una excepción, porque vale la pena. Donovan, mítico cantautor británico, tiene muchos discos cojonudos, con calidad de sobra para estar aquí. Pero ninguno completamente definitivo, y encuentro que este recopilatorio es un ejemplo de lo que todos los recopilatorios deberían ser, algo tan fácil como coger las mejores canciones de un intérprete y juntarlas en un sólo disco. Esto no pasa con casi nadie. Pero este recopilatorio de Donovan (hablo de este en concreto, porque tiene muchos más, aunque inferiores) es perfecto. Es el recopilatorio que yo habría hecho si me lo hubieran encargado.
¿Canciones destacadas? Todas!!. No hay que perderse ni una. No puedo ponerme a elegir entre joyas como "Sunshine Superman", "Mellow Yellow", "Colours".... bueno, venga voy a mojarme el culo: hay dos canciones de Donovan que me parecen dos obras de Dios: "Season of the witch" y "Hurdy Gurdy Man". Pues todas estas están en este disco. Estas y todas las que no he nombrado, que forman una colección de canciones de tal dimensión artística que no hay ser humano que pueda permanecer insensible a su escucha, siempre que tenga todas las conexiones neuronales en su sitio.




DAYNA KURTZ - Postcards from downtown







Voy a cerrar este repaso con Dayna Kurtz, una debilidad personal. La primera vez que escuché este su primer disco pensé lo que piensa todo el mundo la primera vez que la escucha: coño, la versión femenina de Tom Waits. Pero eso, que ya sería suficientemente bueno como para seguir dándole escuchas, no es más que una anécdota comparado con todo lo que nos ofrece esta cantautora norteamericana de voz superespecial. Esa voz que tiene el calor y el compás de las viejas divas del jazz, como Billie Holiday, Betty Carter o Nina Simone, del blues como Bessie Smith, o del soul como Aretha Franklin. A ello se le debe añadir el efecto dramático que sólo Tom Waits o Marianne Faithfull poseen, el ingenio poético de Leonard Cohen, la intensidad de Jeff Buckley y Van Morrison, ecos de Patti Smith, Laura Nyro, Joni Mitchell....
Pero, por mucho que evoque a otros, Dayna Kurtz no suena a nadie más. Además, es una excelente guitarrista, intercalando sus textos en unas melodías a ratos lánguidas, y en otras ocasiones desgarradas.
En "Postcards From Downtown", el álbum que la presentó en sociedad en 2002, despliega todo su arsenal. Desde el estribillo lleno de rabia de "Miss Liberty" al emocionante blues de "Last Good Taste", del contagioso vals "Fred Astaire" a la balada country "Just Like Jack", Dayna Kurtz utiliza su amplio registro vocal y su desbordante guitarra para mostrarse en todo su esplendor.
Lo que hace de este disco algo tan especial no es sólo su voz y su guitarra, sino su habilidad para escoger los instrumentos adecuados para que emitan los sonidos más adecuados en el momento justo. Lo que sitúa a "Postcards From Downtown" en una liga diferente es que, como las mejores novelas negras americanas, puede olerse, saborearse y sentirse.
La tensión que se apodera de la atmósfera desde que suena el violonchelo de la canción que lo abre, "Fred Astaire", nunca decae. Es un disco excepcional de principio a fin, y desde ya os aseguro que no decepcionará a quien le de una oportunidad.